El No-Tour del Ángel Caído: Un paseo diferente por el Retiro

EL ÁNGEL
Auralidad Aumentada
por Escoitar.org

Oh, Príncipe del Exilio, a quien se le ha hecho un agravio,
y que vencido, siempre te levantas más fuerte […]
Tú que, lo mismo a los leprosos que a los parias malditos,
enseñas por amor el gusto del Paraíso
Oh Satán, ten piedad de mi larga miseria.

Charles Baudelaire

(Citado en la Página del NoTour)

¿Buscas un plan diferente para hoy? ¿Un plan diferente para esta tarde? La Casa Encendida y Escoitar.org se encargan de proponerte un paseo de los de antes, pero con las técnicas de hoy. Sí, sí, de los de antes. Sí, sí, pero con la más moderna tecnología.

Muchas veces he pensado que la tragedia de esta época del massmedia es el pánico generalizado al silencio. Pocas veces entrarás en una casa en la que no se oiga nada. Ni un televisor, ni un ordenador, ni una radio, ni alguien cotilleando por teléfono. Ya prácticamente ni siquiera es el silencio lo que buscamos cuando salimos de vacaciones, o la tranquilidad, y encontramos los resorts vacacionales inmersos en una especie de espiral de horror vacuii de pilates y excursiones. Lo mismo ocurre con el ocio en tu propia ciudad, para tus ratos libres. Nadie acudiría a un evento que rezara «Ven a nuestro garito, te proponemos una sesión de silencio 100% al más puro estilo vintage«.

¿A qué tenemos tanto miedo, que nos negamos a dejar el tiempo en blanco, para llenarlo de silencio? ¿A oírnos a nosotros mismos? ¿Al eco de nuestro día a día? ¿Qué vida llevamos tal que no seamos capaces de pararnos un momento de ella para contemplarla?

Una película de las que ahora se llaman «lentas». Un paseo en silencio (sin Ipod ni nada). Un libro lleno de descripciones (y sin dibujos). Un sencillo no «hacer nada». Recuperar el tiempo que no es aburrido, sino auténtico.

No, y no se llama «meditación», ni tiene nada que ver con ninguna técnica oriental, ni os estoy vendiendo ningún tipo de terapia alternativa.. Se trata de un simple «estar» y entre-tenerte a ti mismo sin necesidad de que otros lo hagan por ti. Quitar los ruedines a la bici. (Auch! qué Heidegger me ha quedado ese guión).

Escoitar.org, dentro del ciclo «ArteSonoro» de la Casa Encendida, propone un modo diferente de pasear por el retiro y acudir al encuentro – o persecución – del Ángel Caído. La estatua del Ángel Caído, de Ricardo Bellver, de la que ya os hablamos en la sección Curiosidades, y su séquito de moscas y susurros, se convierten en protagonistas de un no-tour en el que, guiados por la caja de pandora, escaparemos y perseguiremos al mismo tiempo el hechizo de este terrible y hermoso ser.

Para empezar dirígete a los Jardines del Observatorio Astronómico de la Colina de las Ciencias (Alfonso XII con Cuesta de Moyano), sigue las indicaciones de «Arte Sonoro» y, tras pasar por otras de las tres obras expuestas por este ciclo organizado por la Casa Encendida, encontrarás una caseta donde te darán una audioguía GPS, tus auriculares, y un mapita explicativo con el acertijo a resolver. Con este Kit, entra en el retiro por la «Puerta del Ángel Caído», y tu audioguía GPS vibrará al aproximarte a toda la zona en la que puede que te encuentres con el Ángel caído o sus acompañantes. La zona de paseo son los jardines que suben desde la puerta hasta la susodicha estatua. Si te sales de la zona, la audioguía, con su sistema GPS te avisará, o podrás comprobar en el mismo mapa del GPS dónde se encuentran los círculos «sonoros» del no-tour.

Un NoTour, porque no pretender guiarte, sino acompañarte. No pretende decirte qué debes hacer, sino estar contigo en tu estar haciendo. Una manera muy diferente de conocer la estatua de Ricardo Bellver y los jardines del Retiro. Una maravillosa excusa para un paseo de los de antes. Una iniciativa original, muy bien hecha y que aquí, desde Café Momus, recomendamos.

Hasta el 13.06.10, desde las 10.00 hasta las 21.00. Gratuito.

Cómo llegar

Encuéntrales en su página.

Descárgate el PDF de Arte Sonoro de La Casa Encendida

El Quijote entre pentagramas: La canción del gran desconocido.

¿Sabías que El Quijote, después de La Biblia, es la obra que más recreaciones musicales ha inspirado?

A nuestro fiel hidalgo le pasa, desgraciadamente, algo parecido a aquello que le sucede a Tomás Luis de Victoria, pero al revés. Mientras que del Quijote se oye hablar demasiado, y de un modo demasiado superficial – hasta convertirse casi en otra historia, o en una historia que nadie realmente conoce – , en el otro extremo casi nadie ha oído en su vida hablar de Tomás Luis de Victoria, y los pocos que sí, ha sido en un lenguaje o círculo demasiado cerrado como para sacar de su silencio al este compositor nacido en Ávila, que se cuenta sin duda entre los más importantes del Renacimiento Europeo.

Son raros los círculos en los que se habla con seriedad y propiedad, pero acercando el mensaje a todos los públicos, de personajes como los arriba citados, ambos al fin de al cabo desconocidos en su profundidad para la gran mayoría del público. La Biblioteca Nacional de España está más que dispuesta a solucionar al menos uno de estos problemas.

La Biblioteca Nacional de España, que – con razón – seguirá intentando con ahínco que los españoles reconozcan el valor de la que es una de nuestras más preciadas obras de arte, organiza un ciclo de sesiones impartidas por Santiago López Navia, Doctor en Filología, experto cervantista y Director de Formación del Profesorado del Trinity College Group, en las que se estudiará y observará el influjo de nuestro gran clásico en la historia de la música. Desde Telemann a «El hombre de la Mancha», pasando, sí, y parándose y todo, por Rocío Durcal y Mago de Hoz, seguiremos al más loco de nuestros cuerdos, o el más cuerdo de nuestros locos (según qué Quijote consideremos cuerdo y qué loco, lo cual debería ser discutido), a lo largo de su paso por la historia española y europea por medio de piezas musicales.

¿Cuándo? Los días 4, 6, 11, 13, 18 y 25 de mayo, a las 18:30 h en el Salón de Actos de la Biblioteca Nacional. Para más información, y leer el programa completo, pinchad aquí.

Como aperitivo, os dejamos un video de nuestro amado Villazón y el «Impossible Dream» de «Man of la Mancha».

(Y en pleno acto reivindicativo y rebelde, os dejo el «O vos Omnes» de Tomás Luis de Victoria)

Tricicle Presenta: La Venganza de Don Mendo

El destino caprichoso ha sabido en marcadas ocasiones elegir con gran acierto qué dones y qué talentos otorgar a las personas. De nada serviría, probablemente, otorgar creatividad y habilidad a una persona absolutamente insensible, memoria y raciocinio a una mente absolutamente dormida, o bendecir con capacidad de oratoria a un ser mono-neuronal (ojo, siendo su contrario un ser no necesariamente inteligente, sino listo).

Dos grandes ejemplos de talentos bien conjugados son la pareja inteligencia y sentido del humor.Benditos aquellos que supieron mostrar con sentido del humor su inteligencia, y  regalarnos su inteligente sentido del humor. La historia no pasa indiferente por ellos, y ellos no pasan inadvertidos por la historia. Prueba de ello son los 28 años que el grupo de teatro cómico Tricicle lleva llenando escenarios, o los casi 100 años en los que Pedro Muñoz Seca y su «La Venganza de Don Mendo» han hechizado generación tras generación.

El Teatro del Canal les reúne a ambos de mano de la adaptación de Paco Mir que se estrena mañana día 8 de Abril y estará en cartel hasta el 25 de Abril. Y en el Teatro del Alcázar del 28 de Abril hasta el 11 de Junio.

¿Qué propone de nuevo esta versión? Mucho. Pensada, según ellos mismos, tanto para aquellos que conocen de memoria la obra, y serán capaces de identificar los (muchos) cambios realizados, como para aquella generación de jóvenes formados «en el videoclip». Su máxima: «En el mundo del humor, todo lo que no suma resta», y el resultado: la conversión de algunos monólogos en diálogos, el recorte de personajes y actores (11 que interpretarán a 25, salvados de los 40 originales), y una general «actualización» de la obra, que se plasma en la eliminación de bromas o alusiones a hechos coetáneos al estreno de la obra, y que hoy no se entenderían, y una general limpieza de términos que por arcaicos resultan hoy – incluso diccionario en mano – incomprensibles.

La puesta en escena será, como prácticamente todo lo que se hace hoy en día (suspiro), ligeramente arriesgada y desde luego sorprendente: se mantienen los decorados clásicos y adaptados al guión, pero el vestuario se llena de guiños dirigidos al público más joven. No nos sorprenderá, por tanto, que los caballeros calcen «botas de motorista, la capa del rey es una toalla de playa y las hebillas del Marqués de Moncada están hechas con anillas de latas de refresco».

Arriesgado, desde luego, sobre todo cuando muchos de nosotros tenemos un mente nuestro particular Don Mendo absolutamente inmejorable, ya sea por haber tenido la fortuna de verle en acción (como es mi afortunado caso), como por el placer de imaginarle tras leer la obra. Sin embargo, seguro que todos los amantes de nuestro malvengado y y siempre amado caballero, en el fondo estamos deseando tener una excusa para releer el libro y rever y rememorar su entrañable historia encima de un escenario, y no querremos perdernos su re-presentación.

¿Todavía no has leído La Venganza de Don Mendo? Puedes pinchar aquí y leerla online.

¿Has caído en la tentación y no te lo quieres perder? Pincha aquí para más información, y pincha aquí para comprar tu entrada.

Teatro Alcázar

Del 28 de abril al 11 de julio

HORARIOS: Martes a viernes: 20:30 horas, Sábados: 19:00 y 22:00 horas, Domingos: 19:00 horas

Menores de edad a 16 euros

Localidades de 15 a 25 euros

Mucho más que un burruño: Javier Arce.

Nada más entrar en la Galería Max Estrella, te sorprenderá observar que las paredes están, como todas las piezas allí expuestas, estrujadas. Sí, como suena. Javier Arce, uno de los artistas más reflexivos, originales y despiertos del panorama español, ha cubierto las paredes con papel irrompible estrujado, creando un ambiente extraño, frío, creativo, sorprendente, casi irreal. Entre estas cordilleras de papel surgen cuatro enormes copias de cuatro famosísimas obras de Goya, tan arrugadas y estrujadas como las paredes de la galería. Las piezas expuestas son copias hechas con rotulador negro situadas » A mil cuatrocientos metros de los rectificados«, esto es, a mil cuatrocientos metros de sus originales en el Museo del Prado, parte de las 14 obras que decoraban la finca de la hoy famosísima «Quinta del Sordo» de Goya, totalmente arrugadas, pero absolutamente reconocibles, como una fotocopia desechada y despreciada, réplica sin embargo del original.

A esta colección de cuatro obras en gran escala siguen otra serie de pequeñas copias arrugadas del ciclo «Los Desastres de la Guerra» de Goya, dispuestos de dos en dos, la copia, y la propia interpretación y apropiación de la imagen llevada al absurdo.

Es imposible finalizar el recorrido de esta serie de copias sin percatarse de la intención del autor,

sin comprender que Javier Arce tenía un propósito diferente del meramente estético al proyectar esta exposición.  En ningún momento quiso ocultar la ironía y crítica que desprenden estas imágenes situadas a frente a su original, que es a su vez copia, y que es a su vez versión arrugada de otra obra que es, al fin de al cabo, otro simple papel.

Y es que Arce a lo largo de toda su trayectoria artística ha estado mucho más preocupado por el «para qué  y por qué» que por el «qué» de la obra de arte. Esta serie de cuadros, que completa series anteriores de «Burruños» de nuestras más famosas piezas (como el Guernica Estrujado o la Capilla Sixtina), reflexiona sobre el valor del arte y sobre el valor de las piezas particulares, del original, en sí y dentro de la simbología cultural hoy en día.

El artista ha buscado a lo largo de su trayectoria estudiar el el valor de una obra como obra de arte, estudiando, por ejemplo, el radical cambio de perspectiva del público al situar la misma obra de arte dentro de la tienda de regalos en vez de en la pared del museo, metida dentro de una bolsa de basura, o, como en este caso, estrujada, lista para usar y tirar.

En este caso el artista va más allá, estrujando incluso las paredes de la Galería, para hacernos reflexionar incluso sobre el sentido mismo de

la galería, convertida, gracias a la mano de Arce, en algo no diferente a un desecho.

Hermosa. Inteligente. Original. Estimulante. Merecedora absolutamente de una visita. Un ejemplo de cómo hacer arte haciendo protesta, y hacer de la protesta arte. (Así sí.)

En la Galería Max Estrella, hasta el 8 de Mayo. Para más información, pincha aquí.

Want to meet Wyndham Lewis?

Hay muchas maneras de conocer a las personas. Hay quien afirma que en el primer cruce de miradas, en ese primer impacto visual, se desvela lo más esencial de nuestro ser. Hay quien, sin embargo, insiste en la necesidad del continuo re-verse, de alzar la moneda al aire y observar qué esconde la otra cara. Hay quien afirma que nunca, por mucho que pase el tiempo, se llega a conocer del todo a una persona (y a su vez quien asimila con terror y quien sonríe con curiosidad ante este último pensamiento), y se sorprende contemplando de cerca y de lejos lo eternamente familiar y, de un modo casi mágico, siempre sorprendente.

¿Se puede conocer, sin embargo, a alguien al que nunca conoceremos?

¿Permitirá la barrera del tiempo que las personalidades más fascinantes de nuestro tiempo nos sean inaccesibles? Con sinceridad pienso que hay personalidades que ninguna barrera – temporal, espacial o conceptual- podría contener, y entre ellas podemos destacar la de Wyndham Lewis.

Por sus obras los conocerás. Y este hombre, en particular este hombre, más que obrar, fue en si mismo obra. Hay personalidades de este mundo que son en sí una obra de arte, y cuya obra de arte es inseparable de su personalidad.

Si todo esto es cierto, no ha habido – desde la muerte del artista en 1957 – mejor modo de conocerle que visitar la exposición actual que presenta la Fundación Juan March. Organizada con la colaboración de Paul Edwards (el mayor experto actual en Wyndham Lewis), es la más completa exposición de sus obras realizada jamás, reuniendo más de 150 obras y de 60 publicaciones del artista.

¿Y quién es Wyndham Lewis? Un artista que representa en sí un movimiento, el vorticismo, creador de la revista BLAST (soporte de la obra y pensamiento de los artistas de este movimiento), pensador, escritor, personalidad extremadamente creativa y sensible, a la par que profundamente gamberra y provocadora.

¿Qué nos mostrará la exposición? Como el mismo nombre del movimiento lo indica, un vórtice depercepciones, recuerdos, personajes, emociones, girando en fuertes trazos de color, en líneas sólidas futuristas y cubistas, capaces de arremeter contra las injusticias de la primera mitad del siglo XX a golpe de brochazos de cubismo y futurismo, pero capaz de reposar en un instante y plasmar en finos, detallados y profundamente reveladores trazos de gouache y plumilla las personalidades, las individualidades y sensibilidades de cada uno de los seres humanos que se vieron atrapados por ese potente y terrible vórtice que fue la historia de su tiempo.

Capaz de entender su época, comprender y profetizar las atrocidades de la guerra, Lewis es capaz de representar rocío y tormenta en sus cuadros, y reflejar con el mismo acierto lo absurdo y terrible del mundo que se destruye, y la belleza de la capacidad creadora del hombre. Encontraremos referencias al Lebensraum alemán, a la guerra, y alegorías del mito de la creación y la feminidad, así como multitud de cuidados y reveladores retratos.

Una exposición completísima y de profundísimo interés. Aconsejadísima la visita gratuita guiada a la exposición, que se realiza los Miércoles: 11.00 – 13.30 y los Viernes: 16.30 – 19.00. Abierto todos los días (excepto 1,2 y 3 de Abril),

Lunes a sábado: 11.00 a 20.00.
Domingos y festivos: 10.00 a 14.00

Gratuita.

Hasta el 16 de Mayo.

Para más información, pincha aquí.

Un boxeador. Un monstruo. Un emperador.

Se abre el telón, aparecen un boxeador, un monstruo recién creado, y un emperador convertido en monstruo. ¿De qué estamos hablando? De tres obras de teatro en cartel en Madrid que yo no me perdería. Es difícil encontrar tres obras de tanta calidad y no sólo por la buena labor de sus intérpretes, sino por el interés de la temática que representan, y el valor de las obras literarias que las originan.

Estamos hablando de «Urtain» en el Teatro Valle-Inclán, de «Frankenstein» en el Teatro del Canal, y de «Calígula» en el Teatro Fernán Gómez.

Hablar de «Urtain» es necesariamente hablar de Roberto Álamo, de la compañía «Animalario», el actor que interpreta al médico boxeador que se convirtió en símbolo mediático e icono de la «masculinidad» a finales del franquismo, y que ha conseguido hacer de un guión de Juan Cavestany de por sí magnífico, una obra de teatro de éxito con doce candidaturas en los próximos Premios Max de las Artes Escénicas y de la Música. Fuerza, violencia, dolor y piel de plástico que sangra por dentro. La historia de José Manuel Ibar Azpiazu, el boxeador que se convirtió en el símbolo del poder de la violencia que necesitaba el franquismo, el nombre que se convirtió en icono de una educación por, para y mediante la violencia, pero, sobre todo, el hombre que se esconde detrás de un nombre maldito, el tigre sin sonrisa, el juguete roto, el héroe trágico, o la tragedia del héroe.

Hasta el 11 de Abril en el Teatro Valle Inclán. Para más información pincha aquí. Para comprar entradas, pincha aquí.

La segunda recomendación es la ya famosa representación del «Frankenstein o el moderno Prometeo» de Mary Wollstonecraft Shelley. Lo más destacado de esta obra es, aunque parezca trivial (que no lo es), la inclusión del «o el moderno Prometeo», presente en la obra original, al título de la representación. Lo que esta inclusión nos está indicando, es que el director de la obra y el guionista no sólo se han inspirado en el personaje creado por Mary Shelley, sino que de hecho se han leído el libro, y han tenido el libro más que presente en todo momento, al situar la obra en el escenario.

Hay dos maneras de concebir el Frankenstein de Shelley, por su causa o por su efecto. Si nuestra interpretación partiera de su origen, entenderíamos al personaje como un monstruo protagonista de una pesadilla, en el concurso de historias de terror que Shelley organizó con Lord Byron, y con su marido, interpretación más común de la historia. Sin embargo, Frankenstein no sólo era un monstruo, también era el hijo del primer gran Prometeo moderno, aquel primer protagonista de una historia de ciencia ficción con raíces muy terrenales, aquél capaz de robarles a los dioses prácticamente el único fuego que les pertenecía todavía: el de la vida y la muerte.

Actualizando un debate de por sí actual, la discusión en torno a la capacidad científica y no biológica del hombre de crear vida, aparecer en la obra de teatro, un anarquista, un miembro del partido conservador, una feminista y el personaje de Poli Dori, que, mientras observan la obra de teatro, debaten sobre los límites actuales de «creación» de seres humanos, clonación o células madre.

Una obra de teatro capaz de conjugar la esencia del romanticismo alemán y el teatro gótico y romántico, con la eterna duda del héroe prometeico, con un pie en la tragedia y el destino de Edipo Rey, y otro en las tentaciones de las glorias de la ciencia ficción que dejaron de ser fantasía.

Hasta el 4 de Abril en los Teatros del Canal. De miércoles a sabados a las 20.00h y domingos a las 19.00h. Información y Entradas pincha aquí.

Y si hablamos de poder, de violencia, y del hombre que juega a ser dios, y de la combinación de todos ellos, llegamos necesariamente a nuestra tercera recomendación: «Calígula», la puesta en escena de la obra con el mismo nombre de Albert Camus, en el Teatro Fernán Gómez.

Esta obra, que obsesionó a Camus durante toda su vida, por lo que simboliza – los límites y terribles consecuencias del poder cuando es mal usado, fue escrita en su primera versión cuando Camus tenía sólo 26 años, y el futuro de la Europa y sus banderas (y el viento que ondeaba las banderas) ya se cernía como una sombra inesquivable, y, si no hubiera muerto sólo 20 años después, probablemente el escritor la habría reescrito unas cuantas veces, repensando y replanteándose el problema de los límites de poder humano, de la complejidad de la existencia humana cuando a las decisiones que se toman desde el poder se refieren, y sobre todo cuando estas decisiones han de afectar a seres humanos, y son pensadas, aunque el sujeto quiera negarlo, desde la condición de ser humano.

Como Quereas, como el mismo Camus, la compañía L’ OM IM-PREBIS, se han mostrado siempre reivindicativos, siempre comprometidos con la realidad social más inmediata, y al mismo tiempo, consiguen que la innovación se adapte a las exigencias del contexto de la obra, sin quedar por ello fuera o alejado de nuestro propio momento histórico.

Hasta el 11 de Abril en el Teatro Fernán Gómez. Para más información y entradas pincha Aquí.

Música, Arte… y Cerveza!

«Divertido» no es lo contrario de «serio». «Divertido» es lo contrario de»aburrido» y nada más.

Gilbert K. Chesterton (1874-1936), ensayista crítico y novelista inglés.

¡Desgraciado aquél que no conoció jamás esta diferencia! De entre aquellos desgraciados, podemos destacar dos grandes – y desgraciadamente comunes – subgrupos. Aquellos que queriendo ser serios, se perdieron todo lo divertido de este mundo, y se condenaron a sí mismos a eliminar de sus actividades todas aquellas que verdaderamente les divertían; y oh! para tragedia no sólo suya, sino de su voluntario o resignado público, aquellos que buscando resultar profunda, profesional e intelectualmente hablando, personas «verdaderamente serias», se volvieron inmensamente aburridos.

Afortunadamente, existe gente con inmenso talento dispuestos a ser ejemplos vivientes y poner en la práctica esta maravillosa diferencia, y son capaces de reunir trabajo bien hecho, de calidad, ingenio y destreza, con la aún más valiosa habilidad de hacer sentir bien a sus espectadores, y, en el mejor sentido de la palabra, de verdad divertirles.

De manera que con este llamamiento, estamos buscando público voluntario y no resignado, y que aprecie el arte serio y divertido como categoría propia y de íntrinseco y valiosísimo interés. ¿Para qué? Para asistir a dos exposiciones en Madrid que corren el riesgo de sufrir las consecuencias de la confusión de términos antes aclarada: que por ser divertidas se las tilde de poco serias.

La primera: Exposición dedicada a nuestros queridos «Les Luthiers» en el Teatro Fernán Gómez. Una ocasión inmejorable para rememorar las mejores aportaciones de uno de los conjuntos musicales y teatrales más importantes para por lo menos ya tres generaciones. 40 años del mejor arte que puede ofrecerse al público: genuino, cuidado, de calidad, profundamente inteligente y absolutamente divertido.

Fotos, partituras, instrumentos originales, biografías, archivos secretos y sorprendentes imágenes que nos acercan no sólo al recorrido histórico oficial de este grupo, sino a la cara más personal y humana de sus componentes.

Si hay algo dentro de ti que se emociona un poco al oír nombrar un Bass-pipe a vara, la Máquina de tocar (O dactilófono), el Shoephone, el Nomeolbídet, el Órgano de campaña, el Antenor (robot musical), la Manguelódica neumática, el Cellato, la Violata y el famosísimo Gom-horn da testa, o si no podrías evitar una sincera (pero interesada) sonrisa al observar una genealogía completa y detallada – amantes, hijos, entresijos – de Johann Sebastian Mastropiero, no puedes perderte esta exposición.

Atención! Última semana! Hasta el 21 de Marzo! Hasta las 21:00 (menos domingos- 19:00). Entrada Gratuita.

Pincha aquí para ver la página Web de la exposición.

La Segunda Recomendación del día: Exposición «Arte y Cerveza». Hasta el 8 de Abril en la Galería Gaudí.

La Galería Gaudí en Madrid abre sus puertas a una exposición que combina arte y cerveza. Sí, sí. No es una excusa para bajar al bar y que nadie piense que echamos la vida a perder. Como hemos dicho al principio, «serio» no es lo contrario de «divertido».

Más de 100 autores exprimen sus mejores ideas e ingenio para hacer arte de la cerveza. A partir de ahí, todo vale. Las botellas, el color, las etiquetas, el sabor, las situaciones en torno a ella. Las posibilidades son infinitas cuando son mentes imaginativas y con talento las que las barajan.

El formato de las obras se ha adaptado también a la inspiración de los artistas, de manera que Rafael Canogar, Luis Feito, Joseph Guinovart, Chema Madoz, Sigfrido Martín Begué, Ceesepe, Ana Soler, Mónica Ridruejo, Jos, María Luisa Sanz o Ildefonso Aguilar (entre otros) han tenido libertad de forma y contenido, para girar en torno al amor a la cerveza. Encontraremos fotografías, lienzos, collage, y nos costará muy mucho definir todas las obras con sólo un adjetivo: picante, ingenioso, curioso, original, gracioso, seductor, íntimo, familiar, cotidiano, atrevido. Todo vale cuando hay inspiración por medio.

Pincha Aquí para ir a la página web de la exposición, y pincha aquí para ir a la página web de la galería. Y.. Salud!

La Solitude Organisative: Bienvenidos a Miquel Barceló.

¿Qué tienen en común un elefante en equilibrio, la calavera de Pinocho, un gorila solitario, las dunas, la Divina Comedia y restos de seres vivos en descomposición?

Cualquiera que haya paseado últimamente por delante del Caixaforum de Madrid empezará a olerse la respuesta: Todos ellos son protagonistas en el escenario creado específicamente para el despliegue de Miquel Barceló, un genio de los de antes, y uno de los más importantes artistas del panorama español e internacional.

La exposición, llamada «La solitude organisative» siguiendo el famoso cuadro del gorila pensativo, es sorprendente hasta arrebatarte el aliento, seas o no capaz de interpretar y comprender del todo la magnitud de la calidad del artista. En ocasiones te sientes arrodillarte con el lienzo en el suelo a su lado, y deslizar tus dedos por la terracota y la pintura: no está pintando el mar al pintarlo, lo está esculpiendo, lo está creando, y se está creando a sí mismo en metamorfosis con él. Toda la trayectoria del autor, desde sus orígenes más Mediterráneos hasta sus aventuras europeas de LSD, y pasando por las temporadas africanas, se enraizan y arraigan en el desarrollo de su producción artística, que va recogiendo objetos (literalmente) y empapándose de las sustancias y naturaleza de los lugares donde ha habitado. Visitar esta exposición no es sólo adentrarse en la vida de Barceló, es lanzarse de cabeza al mar, y salir hasta arriba de arena de desierto, de arcilla y de recuerdos.

La exposición, variopinta como la propia vida del pintor y escultor, incluye piezas de prácticamente todas las etapas de la vida del autor, representativas no sólo del estilo de esa época, sino de la propia comprensión de la existencia del artista en esos momentos.

Comida, animales en descomposición, arena, el mar, una isla, las olas, todo ello que es capaz de transportarte a un lugar desde un recuerdo, o a un recuerdo desde un lugar, todo tiene cabida cuando Barceló toma la arcilla, la terracota, el pincel, la pintura entre sus dedos, y se permite expresar lo que piensa.

Entre las 140 obras que se muestran, cabe destacar unas acuarelas para ilustrar «La Divina Comedia» de Dante, inspiradas en la inminente guerra de Iraq y la condición del refugiado político, que fueron las primeras obras de un autor español en ser expuestas en el Museo del Louvre. Así mismo, son particularmente interesantes la serie de cuadros inspirados en las dunas del desierto del Sáhara, comprendidos y creados después de haber sentido el proceso de formación de las dunas.

La influencia de lo orgánico, de lo terrestre-arcilloso, el retorno a la tierra, está siempre presente en su técnica, en la imitación de los procesos naturales por medio del arte. Densas capas de materia, adiciones de materiales y grietas, capas de colores en gamas que se superponen: la realidad que cambia vista desde lejos o desde cerca.

Este cambio de perspectiva de la realidad se muestra también en la sección más escalofriante de la exposición, una selección de piezas que juegan con los cambios de luz, con la transformación nocturna de los objetos, según sea la oscuridad o la luz la que les otorgue visibilidad.

La parte probablemente más espectacular de la exposición es aquella dedicada a los retratos que realizó Barceló de conocidos suyos, colegas, o personajes. Los retratos africanos – con dientes – provocan una fascinación casi imantada, que sólo consigue arrebatarte la mirada del cuadro la expectativa fundada de que el siguiente también te impresionará.

Merece mucho más que la pena visitar esta maravillosa exposición y rendir un merecido homenaje en sus 25 años de trayectoria artística, a uno de nuestros artistas más importantes. Saldrás de ella deseando comentarla, informarte bien de toda la trayectoria del artista, y volver a verla de nuevo. Si es así, te dejamos aquí el link a la página web del autor, donde puedes encontrar toda la información que seguro estás buscando. Pincha aquí.

Caixaforum Madrid. (Segunda Planta)

Hasta el 13 de Junio. Gratuita.

De Lunes a Domingo de 10:00 a 20:00.

«Escenas de Amor y Lujo» Ignacio Goitia

Esta pequeña e íntima colección del pintor Ignacio Goitia, en la Galería Ángel Romero, es una de las exposiciones que más me ha gustado últimamente. Muestra una serie de cuadros y dibujos del pintor bilbaíno (en concreto 12 cuadros de gran formato y 14 dibujos), en los que se entremezclan la realidad con lo ficticio.

Parece un guiño a los cortometrajes cinematográficos, por la estética, por la elección de personajes, y busca el contraste de encontrar dentro de la imagen de lujo, esplendor y riqueza de la sala de un palacio, a una jirafa, un grupo de militares, y hombres desnudos, que más que de Versalles, parecen salidos del KitKatClub de Berlín.

Una exposición curiosa, divertida, actual, que no pierde por ello calidad como obra artística, ni como instrumento de reivindicación social. Es un canto a la libertad, a la posibilidad de elegir tu noción de belleza, de amor, de morbo. En estos escenarios ficticios, personajes irreales intercambian sus posiciones, y, por ejemplo, policías o militares encargados de la represión de lo «socialmente no aceptado», aquí cumplen la posición de defender precisamente a aquellos que normalmente son reprimidos o excluidos, y ya no sólo de los entornos palaciegos de lujo y prestigio, sino de la misma comprensión de la moral pública. El mundo de Ignacio Goitia protesta contra la aparente necesidad de la moral impuesta, en la que los palacios (y lo que ellos simbolizan) sólo puedan estar habitados por princesas, contra la política de represión que olvida que detrás de esos objetos de represión también se esconden personas.

Encontraréis la exposición en la Galería Ángel Romero, pequeña e íntima, pero cuya planta baja (sótano) bien merece una visita por su estética peculiar dentro de las galerías de Madrid, que crea un ambiente cálido y misterioso, perfecto para albergar la colección de dibujos del autor.

Podéis visitar las piezas de la exposición en esta página web. Aunque merece la pena verlos en persona.

También recomendamos una visita a su página web, y en general, al apasionante universo Goitia, del cual esta exposición es sólo una pequeña muestra.

Entrada: Gratuita.

Hasta el 30 de Abril

Un paseo romántico

A medida que sale el sol, aumentan nuestras ganas de salir a la calle, de abandonar el imperativo de la cuatro paredes, y respirar el aire libre sin garantizarnos una faringitis.

El problema es… ¿Dónde ir?. Los que conocemos demasiado bien esta ciudad se nos olvida que está llena de rincones agradables y tranquilos (Sí, tranquilos!) donde dar un paseo romántico, nostálgico, o simplemente relajante.

El Jardín Botánico de Madrid ofrece estos días el lugar perfecto para esconderse un rato y ver una colección de esculturas preciosa. Se trata de la exposición «Aequilibrium, Naturaleza en Equlibrio» de Jose G. Onieva. Son en total 30 piezas de acero que llegan incluso a los cinco metros de altura, situadas en los paseos dentro del Jardín Botánico.

Está compuesta por un lado de esculturas de gran tamaño que imitan árboles, enormes flores.. y que se mueven lentamente movidas por el viento, sorprendentemente en equilibrio.

Por otro lado, al lado del pabellón donde el 11 de Marzo se inaugura una exposición de fotografía de  Justino Díez, se encuentra otra serie de esculturas de menor tamaño, también de gran belleza, divertidas, ingeniosas, sorprendentes e incluso ciertamente entrañables.

Particularmente nos han gustado las esculturas que muestran pequeños hombrecitos en equilibrio en una larga escalera con formas diversas, que representan momentos y situaciones de la vida humana.

Nos gusta cómo Onieva es capaz de combinar estilo y belleza con la espontaneidad de la escultura que parece flexible, que parece acompañar los ritmos del tiempo, y sigue al tiempo en su ritmo. Nos gusta mucho el contraste del metal con la vegetación del Jardín Botánico.

Merece la pena visitar la colección completa, no sólo dentro del Jardín Botánico, en un paseo más que agradable, sino en su página web. La puedes encontrar dentro del Blog del autor, en concreto, pinchando aquí.

La exposición pretende, en palabras de Onieva, ser una alegoría sobre la importancia de mantener nuestro planeta en estado puro, es decir, en un estado de permanente equilibrio.

Entrada a la exposición: por la Plaza de Murillo nº2.

Precio: entrada al jardín Botánico: 3€/1’25€.

Todos los días de 10:00 – 19:00h (marzo) y 10:00 – 20:00h (abril).

Un plan para el fin de semana

Uno de los mayores errores que arrastra nuestra queridísima tradición occidental es el amor por la unidad y/en la coherencia generalizada. Nada nos gusta más que lo idéntico, lo esperable, lo clasificable, categorizable.

Ante los otros tenemos que mostrar un aspecto más o menos homogéneo en nuestras características (ya no sólo de cierta estandarización con respecto a los otros, sino a cómo se relacionan nuestros propios gustos y rasgos dentro de nuestra personalidad), si queremos evitar que, sin darte siquiera cuenta, te pase lo que le sucede a todo lo no categorizado hoy en día: cruzar rapidísimamente la frontera de lo exótico o «especial», para convertirse en lo incómodamente raro.

En esta vida pareces no poder ser fan al mismo tiempo de Rolando Villazón y de Beyoncé, salir del Thyssen y entrar en el cine a ver una americanada con final feliz, disfrutar tanto con un concierto de música clásica como con un partido de la selección, Beethoven, Madonna y Schönberg; Harry Potter, Unamuno y Ángel González.

Sin embargo, nadie los ha situado en puntos de una figura geométrica, como para que sean «extremos», ni nos ha explicado jamás qué los diferencia tanto, ni qué diferencia tanto a la gente que prefiere unos, otros, o todos a la vez, y no sólo desde una perspectiva valorativa, sino sobre todo desde esa posición excluyente. ¡Dejadnos ser!

Protestamos enérgicamente contra la exigencia de coherencia interna y unidad en nuestros gustos. Y este fin de semana queremos celebrar la incoherencia del inquieto, la variedad del despierto, la suerte de aquél capaz de disfrutar con todo.

Por eso, ofrecemos 10 planes para este fin de semana, completamente diferentes los unos de los otros, pero creemos que todos muy interesantes:

1. Gomaespuma en la Sala Galileo Galilei: Sábado 6 de marzo, 21:30.

Gomaespuma (Juan Luis Cano y Guillermo Fesser) celebran la apertura de la nueva página de la sala (desde la que te podrás descargar archivos de Gomaespuma), con uno de sus divertidísimos Shows. La entrada son 10€, y colaboras al comprarla con la Fundación Gomaespuma.

2. Chopin y Lutoslawski: Sábado 6 de Marzo, a las 12:00 en el Auditorio Nacional.

La Joven Orquesta Nacional de Polonia interpretará un programa interesantísimo (descárgalo aquí en PDF) que combina el concierto para piano y orquesta nº2 de Chopin(coincidiendo con el aniversario de su nacimiento: 1 de marzo de 1810) con Manuel de Falla y Joan Guinjoan, y el concierto para orquesta de Lutoslawski. Entradas: 10€.

3. Teatro: «Por el Placer de Volver a Verla» en el Teatro Amaya:porque yo no me perdería nada de lo que hicieran juntos Miguel Angel Solá y Blanca Oteyza,

después de haberles visto actuar mano a mano en el inolvidable «Hoy: El diario de Adán y Eva de Mark Twain». Esta vez nos traen otra historia de amor, escrita por Michel Tremblay, que viaja a la vez al pasado, a los recuerdos, y recorre el camino entre la realidad y lo que queremos que la realidad sea, distancia que el amor recorta. Sesiones a las 19:30 y a las 22:00. Compra aquí tu entrada.

4. «Doña Francisquita» en el Teatro de la Zarzuela:

maravillosa, divertida, tan nuestra como siempre. Date un paseo por nuestro Madrid más romántico, con una de las Zarzuelas más famosas (merecidamente) de la historia. (Tendrá comentario propio dentro de unos días).«Doña Francisquita», representaciones en el Teatro de la Zarzuela a las 20:00 o 18:00.

Más información aquí.

5. «Rock’n’Roll» en Matadero Madrid:

Una obra de teatro escrita por Tom Stoppard y dirigida por Àlex Rigola que se ha sido definida como una de las piezas «más intelectualmente estimulantes y emocionantes del teatro de la última década». Ha sido premiada en varias ocasiones (Mejor espectáculo, Mejor Intérprete Femenina, Mejor actriz de Reparto…). Temática: Checoslovaquia e Inglaterra entre el final de la Primavera de Praga y la caída del muro de Berlín. Más información aquí.

6. El Universo de Julio Verne en el Planetario de Madrid:

Una idea fantástica: usar los medios y la tecnología del Planetario para acercarte al universo desde los ojos de Julio Verne, el hombre de la imaginación infinita, con el que hemos viajado a lo largo de toda nuestra vida a lugares maravillosos. Recorre este homenaje a su ingenio paseando a través de sus descripciones de la Tierra, de la luna, del universo. Más información aquí, y horarios aquí.

7. Els Joglars en Teatros del Canal:

Se cumplen 50 años de la compañía de Teatro más antigua de Europa, Els Joglars, y la celebración promete no dejar indiferente: en vez de viajar al pasado, viajan al futuro, y se plantean qué se dirá entonces de la compañía, y cómo será la sociedad en la que vivamos. La importancia de reirnos de nosotros mismos, desde luego la lección más sabia que podría enseñarnos la larga trayectoria de esta compañía. Más información aquí.

8. Un recorrido atrás en el Reina Sofía: Salón de Actos del Edificio Sabatini a las 12:00.

El ciclo Museocinema que se inicia este sábado 6 de Marzo en el Museo Reina Sofíaes una aproximación a la época que transcurre desde la segunda Guerra Mundial hasta los años sesenta a través de los dibujos animados, la publicidad y la animación experimental. Camtps populares, juegos, risas, o las manifestaciones de la vida viviéndose que sólo podemos observar con el paso del tiempo. Para todos los públicos. Más información aquí.

9. Vivaldi en la Fundación Juan March:

Reiteramos la invitación a asistir al ciclo de conciertos gratuitos que ofrece la Fundación Juan March, todos los sábados, a las 12. Este sábado la contralto Gabriella Martellacci con la Ensemble Arte Musica interpretarán tres cantatas de Vivaldi y la transcripción a clave de Bach del concierto Op. 3 nº12 de Vivaldi. Más información aquí.

10. Les Luthiers en «Los Premios Mastropiero»

Perfectos. Cada vez que les veo me gustan más, y no me he perdido desde que tengo uso de razón ninguna de las veces que han estado en Madrid. Conseguirán hacerte llorar de la risa con su humor inteligente, y no han perdido ni un ápice de calidad como músicos, intérpretes, compositores, creadores y fabricantes de instrumentos.

Del 2 al 21 de Marzo en el Palacio Municipal de Congresos.Más información aquí. Y entradas aquí.

Las mujeres de Lorca

«El teatro es la poesía que se levanta del libro y se hace humana. Y al hacerse habla y grita, llora y se desespera. El teatro necesita que los personajes que aparezcan en la escena lleven un traje de poesía y al mismo tiempo que se les vean los huesos, la sangre. Han de ser tan humanos, tan horrorosamente trágicos y ligados a la vida y al día con una fuerza tal, que muestren sus tradiciones, que se aprecien sus olores, y que salga a los labios toda la valentía de sus palabras llenas de amor o de ascos»

Federico García Lorca

La exposición «Ausencias Vestidas & Reflejos Desnudos: A Federico García Lorca» , organizada por Luis Casablanca y Mar Garrido, consigue por medio de la escultura, el traje y la fotografía, un triple objetivo: Homenajear la figura de Lorca, que, como dice con acierto Pedro Mansilla Viedma era «arrebatador hiciese lo que hiciese», honrar a sus mujeres, a ocho mujeres nacidas en y por Lorca, pero que han cobrado identidad y existencia propia, y, mediante ellas, mostrar y celebrar todas las mujeres, todas las que en ellas se identifican, todas las que ellas representan.

Bernarda, Doña Rosita, Zapatera Prodigiosa, Soledad Montoya, Yerma, Adela, María Josefa, Belisa. A todas corresponde un vestido-escultura, y una colección de fotografías, de imágenes de paisajes que las hacen presentes. Cultura y Naturaleza, y ellas, tan cerca, tan vivas, y al mismo tiempo ausentes: las echas muchísimo de menos, contagiándote del cierto aire de nostalgia que se respira, como en la Granada de Lorca, en la exposición.

Por otra parte, esta preciosa y sencilla exposición es una estupenda ocasión para ver/revisitar el Museo del Traje, que, aparte de su valiosa colección permanente, tiene otras dos colecciones temporales. Una «curiosa» sobre juguetes de circo, y otra, dentro de la colección, sobre Mariano Fortuny como diseñador.

En el Museo del Traje, del 28 de Enero al 25 de Abril. Entrada: 3€ (Gratis para estudiantes).

Música, maestro.

Si no supiéramos nada del maestro Vivaldi, le introduciríamos diciendo que logró suscitar el interés y admiración del mismísimo Bach, que realizó la transcripción a clave de varias de sus obras. Sin embargo, no es necesario realizar introducción alguna para uno de los mejores compositores de toda la historia. El mundo nunca se cansará de rendirle homenaje, ni de escuchar su música.

La fundación Juan March comparte esta vocación, y organiza una serie de conciertos, que recuperan no sólo sus piezas más conocidas, sino así mismo repertorios para cámara menos habituales. Un auténtico regalo para cualquier público, y una ocasión inmejorable de rememorar, o acercarnos, a una de las figuras fundamentales de la historia de la música. Lee aquí el Programa completo en su página web, o en PDF.

En la Fundación Juan March. Todos los sábados de Marzo (6, 13, 20 y 27 marzo 2010), a las 12.00, en el Salón de Actos. Entrada gratuita.

Para un público un poco más específico, el Ateneo de Madrid

y la Asociación Wagneriana de España organizan dos mesas redondas para comentar la tetralogía de Wagner:

el Sábado 6 de Marzo, Mesa redonda «La Walkiria (1.ª parte)». Salón de Actos. 17.00 horas.

el Domingo 7 de Marzo, Mesa redonda «La Walkiria (2.ª parte)». Salón de Actos. 18.30 horas.

Cambiando de estilo, recomendamos el III concierto de la Orquesta Filarmonía «Música y Cine» en la Sala Sinfónica del Auditorio Nacional de Música, mañana, día 3 de marzo, a las 19:30. El programa del concierto es una selección de las piezas para cine de nuestro compositor Roque Baños, el cual dirigirá personalmente la orquesta Filarmonía y el Coro del Orfeón Filarmónico. Baños es uno de los mejores compositores españoles de Bandas Sonoras, entre las cuales destacan «Celda 211», «Los Crímenes de Oxford», «Alatriste»…

En esta página puedes leer el programa completo.

Lágrimas de Eros desde casa

¿Cansado después de una larga jornada? Te proponemos un plan con dos ventajas: Por un lado, traerte el museo a casa si estás demasiado cansado para

salir, por otro lado, traerte una exposición que ya no encontrarás en el museo.

No traemos una exposición cualquiera, sino una de las más interesantes que he visto en mucho tiempo.

Estamos hablando de «Lágrimas de Eros», la exposición que estuvo en el Museo Thyssen-Bornemisza hasta el 31 de Enero.

La muestra es una muy bien escogida genealogía, que es capaz de viajar al pasado sin olvidar el presente, y sin hacer de nuestro presente pasado, y que explora la cara más agridulce del amor, aquella que oscila entre el placer y el dolor, entre la tentación y el castigo, entre la muerte y la redención. Todo ello, conjugando en un contínuo a Dali, Rodin, Munch, Cézanne, Warhol, y Picasso entre muchos otros, sin arrebatarles su posición a cada uno dentro de la historia del arte, pero sin convertirlos en atemporales, haciendo que no sea una catástrofe añadir a este contínuo una imagen de David Beckham.

La exposición explora la pulsión que se esconde en el deseo, pulsión que es al tiempo construcción y masacre: El Big Bang que se destruyó a sí mismo para crear el universo. ¿No es eso amor?

Tentación. Deseo. Rabia. Violencia. Pasión. Castigo. Recompensa. Aspectos de una misma fuerza, de una misma llama que nunca arderá del mismo modo. Lágrimas de Eros, de la lluvia que nunca consiguió llenar el mar.

Te recomendamos visitar despacio cada uno de los cuadros, observar en qué orden están ordenados. Cómo se han escogido las «categorías». Las relaciones entre ellas. La evolución entre ellas. Lo que comparten y lo que las enfrenta.

Entra en esta página y disfruta:

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2009/Lagrimas-de-Eros/museo1.html.

Una vez has visitado de este modo la exposición, localiza los cuadros en sus salas tal y cómo fueron expuestos.

Para ello, realiza la visita virtual que ofrece el museo:

http://www.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2009/Lagrimas-de-Eros/vv/esp/index.html

Un poco de teatro para el fin de semana

Para este fin de semana del 27 y 28 de Febrero: recomendamos teatro.

El mundo del teatro de la improvisación es garantía de calidad, espontaneidad y espectáculo.

Estos días se está celebrando en Madrid, en los Teatros del Canal, el IV Festival Internacional de Improvisación Teatral. Son representaciones de calidad, que te sorprenderán con su facilidad para retomar y crear situaciones divertidas y originales de la nada, o a partir de temas absolutamente insospechados. (Todavía hay funciones hoy y mañana!). Las entradas cuestan 7’50€.

A la vez, en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, se inauguró el día 25 la XV Muestra de Teatro de las Autonomías. Como siempre, las obras representadas destacan por su calidad y vitalidad. Es que palpable no fueron creadas, dirigidas ni seleccionadas por intereses meramente económicos o comerciales, sino por su calidad artística (Y eso es algo que no se puede decir de todo espectáculo). Las entradas cuestan 15€ o 12€. Hasta el día 22 de Marzo.

En otra línea, pero sin dejar de perder interés, el Teatro Espada de Madera (un Teatro que merece la pena visitar aunque sea sólo por la sala) presenta de un modo muy original «La Casa de Bernarda Alba». La idea de fondo es tomar como modelo las enanas de las Meninas de Velázquez: Bernarda y su hija son un grupo de «enanas», actrices que se mueven de rodillas, con máscaras de maquillaje y riguroso luto.  Buscan mostrar la belleza del alma bajo la forma de la deformidad física, y explorar los límites del amor y los sentimientos. También acaba mañana y yo no me lo perdería. Entradas: 12 o 9€

Si prefieres ópera a teatro, mañana es la última representación de Andrea Chènier en el Teatro Real, un espectáculo de verdad apasionante y de increíble belleza (Crónica detallada en los próximos días).