El No-Tour del Ángel Caído: Un paseo diferente por el Retiro

EL ÁNGEL
Auralidad Aumentada
por Escoitar.org

Oh, Príncipe del Exilio, a quien se le ha hecho un agravio,
y que vencido, siempre te levantas más fuerte […]
Tú que, lo mismo a los leprosos que a los parias malditos,
enseñas por amor el gusto del Paraíso
Oh Satán, ten piedad de mi larga miseria.

Charles Baudelaire

(Citado en la Página del NoTour)

¿Buscas un plan diferente para hoy? ¿Un plan diferente para esta tarde? La Casa Encendida y Escoitar.org se encargan de proponerte un paseo de los de antes, pero con las técnicas de hoy. Sí, sí, de los de antes. Sí, sí, pero con la más moderna tecnología.

Muchas veces he pensado que la tragedia de esta época del massmedia es el pánico generalizado al silencio. Pocas veces entrarás en una casa en la que no se oiga nada. Ni un televisor, ni un ordenador, ni una radio, ni alguien cotilleando por teléfono. Ya prácticamente ni siquiera es el silencio lo que buscamos cuando salimos de vacaciones, o la tranquilidad, y encontramos los resorts vacacionales inmersos en una especie de espiral de horror vacuii de pilates y excursiones. Lo mismo ocurre con el ocio en tu propia ciudad, para tus ratos libres. Nadie acudiría a un evento que rezara “Ven a nuestro garito, te proponemos una sesión de silencio 100% al más puro estilo vintage“.

¿A qué tenemos tanto miedo, que nos negamos a dejar el tiempo en blanco, para llenarlo de silencio? ¿A oírnos a nosotros mismos? ¿Al eco de nuestro día a día? ¿Qué vida llevamos tal que no seamos capaces de pararnos un momento de ella para contemplarla?

Una película de las que ahora se llaman “lentas”. Un paseo en silencio (sin Ipod ni nada). Un libro lleno de descripciones (y sin dibujos). Un sencillo no “hacer nada”. Recuperar el tiempo que no es aburrido, sino auténtico.

No, y no se llama “meditación”, ni tiene nada que ver con ninguna técnica oriental, ni os estoy vendiendo ningún tipo de terapia alternativa.. Se trata de un simple “estar” y entre-tenerte a ti mismo sin necesidad de que otros lo hagan por ti. Quitar los ruedines a la bici. (Auch! qué Heidegger me ha quedado ese guión).

Escoitar.org, dentro del ciclo “ArteSonoro” de la Casa Encendida, propone un modo diferente de pasear por el retiro y acudir al encuentro – o persecución – del Ángel Caído. La estatua del Ángel Caído, de Ricardo Bellver, de la que ya os hablamos en la sección Curiosidades, y su séquito de moscas y susurros, se convierten en protagonistas de un no-tour en el que, guiados por la caja de pandora, escaparemos y perseguiremos al mismo tiempo el hechizo de este terrible y hermoso ser.

Para empezar dirígete a los Jardines del Observatorio Astronómico de la Colina de las Ciencias (Alfonso XII con Cuesta de Moyano), sigue las indicaciones de “Arte Sonoro” y, tras pasar por otras de las tres obras expuestas por este ciclo organizado por la Casa Encendida, encontrarás una caseta donde te darán una audioguía GPS, tus auriculares, y un mapita explicativo con el acertijo a resolver. Con este Kit, entra en el retiro por la “Puerta del Ángel Caído”, y tu audioguía GPS vibrará al aproximarte a toda la zona en la que puede que te encuentres con el Ángel caído o sus acompañantes. La zona de paseo son los jardines que suben desde la puerta hasta la susodicha estatua. Si te sales de la zona, la audioguía, con su sistema GPS te avisará, o podrás comprobar en el mismo mapa del GPS dónde se encuentran los círculos “sonoros” del no-tour.

Un NoTour, porque no pretender guiarte, sino acompañarte. No pretende decirte qué debes hacer, sino estar contigo en tu estar haciendo. Una manera muy diferente de conocer la estatua de Ricardo Bellver y los jardines del Retiro. Una maravillosa excusa para un paseo de los de antes. Una iniciativa original, muy bien hecha y que aquí, desde Café Momus, recomendamos.

Hasta el 13.06.10, desde las 10.00 hasta las 21.00. Gratuito.

Cómo llegar

Encuéntrales en su página.

Descárgate el PDF de Arte Sonoro de La Casa Encendida


Un regalo para musicofilos

“La pasión por la música es en sí misma una confesión.

Sabemos más de un desconocido que la tiene que de alguien insensible a ella que frecuentamos a diario.”

Emile Michel Cioran

Para todos aquellos verdaderamente amantes de la música, estoy a punto de haceros un regalo que seguro no os dejará indiferentes: Una página web. Y no una cualquiera.

Os invito a conocer el sitio www.medici.tv, una página web en la que podéis escuchar y ver en altísima resolución una colección de archivos sonoros absolutamente espectacular. Entre otros: A la batuta, Abbado, Barenboim, Muti, Koopman, Domingo; Intérpretes, desde Yehudi Menuhin a Glenn Gould, pasando por las voces de Jonas Kauffman, Callas, Villazón, Netrebko; Beethoven, Mahler, Bach… Tanto imagen como sonido de espectacular calidad (y pantalla completa). Además, retransmisiones en directo de conciertos completos desde las salas más importantes del mundo, de los espectáculos más relevantes del panorama clásico. Podemos, por ejemplo, presenciar el despliegue de talentos en la final de la gala Operalia de este año – desde la Scala de Milán – y regodearnos con tres cosas: El buen estado de salud de Plácido Domingo, un “‘Ella giammai m’amo!'” hipnotizante de el segundo premio Ievgen Orlov, y  la preciosa voz de la soprano ganadora de este año: Sonya Yoncheva: Sencillamente espectacular).

Sin más, os dejo para vuestro disfrute la página: Pinchad aquí o en la imagen de abajo:

El Quijote entre pentagramas: La canción del gran desconocido.

¿Sabías que El Quijote, después de La Biblia, es la obra que más recreaciones musicales ha inspirado?

A nuestro fiel hidalgo le pasa, desgraciadamente, algo parecido a aquello que le sucede a Tomás Luis de Victoria, pero al revés. Mientras que del Quijote se oye hablar demasiado, y de un modo demasiado superficial – hasta convertirse casi en otra historia, o en una historia que nadie realmente conoce – , en el otro extremo casi nadie ha oído en su vida hablar de Tomás Luis de Victoria, y los pocos que sí, ha sido en un lenguaje o círculo demasiado cerrado como para sacar de su silencio al este compositor nacido en Ávila, que se cuenta sin duda entre los más importantes del Renacimiento Europeo.

Son raros los círculos en los que se habla con seriedad y propiedad, pero acercando el mensaje a todos los públicos, de personajes como los arriba citados, ambos al fin de al cabo desconocidos en su profundidad para la gran mayoría del público. La Biblioteca Nacional de España está más que dispuesta a solucionar al menos uno de estos problemas.

La Biblioteca Nacional de España, que – con razón – seguirá intentando con ahínco que los españoles reconozcan el valor de la que es una de nuestras más preciadas obras de arte, organiza un ciclo de sesiones impartidas por Santiago López Navia, Doctor en Filología, experto cervantista y Director de Formación del Profesorado del Trinity College Group, en las que se estudiará y observará el influjo de nuestro gran clásico en la historia de la música. Desde Telemann a “El hombre de la Mancha”, pasando, sí, y parándose y todo, por Rocío Durcal y Mago de Hoz, seguiremos al más loco de nuestros cuerdos, o el más cuerdo de nuestros locos (según qué Quijote consideremos cuerdo y qué loco, lo cual debería ser discutido), a lo largo de su paso por la historia española y europea por medio de piezas musicales.

¿Cuándo? Los días 4, 6, 11, 13, 18 y 25 de mayo, a las 18:30 h en el Salón de Actos de la Biblioteca Nacional. Para más información, y leer el programa completo, pinchad aquí.

Como aperitivo, os dejamos un video de nuestro amado Villazón y el “Impossible Dream” de “Man of la Mancha”.

(Y en pleno acto reivindicativo y rebelde, os dejo el “O vos Omnes” de Tomás Luis de Victoria)

La Fundación Maite León en “Un Mar de Sueños”

Aquel que una vez dijo “El tiempo todo lo cura” en parte se equivocaba. Esta sana y reconfortante afirmación, en su común uso, olvida precisamente aquello que la hace reconfortante y sana, aquello que la transforma de sentido común, en comúnmente sentido.

Decir “El tiempo todo lo cura” tiene tres posibles peligros. El primero, decirlo cuando aquello que queríamos curar ya ha sido curado, de manera que otorgamos al “tiempo” como una mano invisible y omnipotente el destino de nuestros hilos, y pasamos de ser héroes vencedores de nuestros propias batallas, a marionetas satisfechas tras padecer nuestro espectáculo.

El segundo: utilizar esta frase como arma arrojadiza de consolación. Decirle a un amigo “El tiempo todo lo cura”, es una silenciosa invitación a dar la lucha por perdida. El amigo que en realidad quiso decir “Tu cura necesita tiempo”, o aún mejor, “Tu cura necesita tu tiempo”, está, sin embargo, arrancando el volante de las manos del amigo y ofreciéndoselo a éste, el no merecido protagonista de esta historia, el tiempo, para que haga con nuestro destino, lo que al mero destino plazca.

El tercero y último – aunque desgraciadamente el más común – de los peligros de nuestra frase del día, es decir “El tiempo todo lo cura”, y esperar en pasiva inactividad a que mi problema se solucione solo. ¿Cuál es el error de esta afirmación? Creer que la vida es un círculo, una rueda deslizándose sobre una eterna pendiente, en la que todo gira y pasa, movida por la mera inercia de la vida cuesta abajo, pero ¡ay!, sin caer en la cuenta de que el que concibe la vida como un círculo, acaba volviendo exáctamente al lugar de dónde partió, retornando a él una y otra vez.

Sin embargo, lo maravilloso de esta afirmación, es cuando es formulada con los ojos fijos en la tormenta, con las ropas empapadas y las fuerzas flaqueantes, por aquél que no apartó la mirada de su propio conflicto. Lo maravilloso de decir “El tiempo todo lo cura”, es la energía que puede contener para iniciar ese tiempo, para crearlo con su misma formulación. El tiempo sólo existe porque nosotros lo delimitamos, lo damos nombre, nos hacemos conscientes de él al reinventarlo. Nosotros no llegamos a un tiempo, sino que nuestro tiempo se crea y recrea indefinidamente desde nuestra llegada. Afirmar “El tiempo todo lo cura”, puede convertirse precisamente en la creación de un nuevo tiempo en el que tenga lugar esa curación.

Y después, al cerrar ese tiempo, miraremos atrás con orgullo, y diremos, como héroes y no como marionetas, que “Lo curamos a tiempo”.

En esta entrada vamos a rendir nuestro más sentido homenaje a esos héroes que dieron la cara a una situación problemática, y hoy pueden mirar atrás y sonreír ante sus inmensos y valiosos logros. Ellos, los héroes anónimos de nuestro tiempo, (tanto más héroes por su anonimato), se merecen el más alto homenaje de nuestra época. Ellos, de verdad ellos, y no otros. (Menos fútbol y más realidad).

La Fundación de Psico Ballet Maite León, y su compañía de Ballet, formada por artistas reconocidos entre 3 y 65 años, presentan hasta hoy día 2 de Mayo, y desde el 29 de Abril, en el Teatro Madrid, una hermosísima interpretación de la ópera “La Gioconda” de A. Ponchielli, y el estreno absoluto de “Mar de Sueños”. Han conseguido poner en escena un espectáculo asombroso, sencillo, auténtico, elaboradísimo, y de verdadera calidad, que sería de por sí aclamado por su valor estético y artístico sin conocer su trasfondo, pero que se convierte en uno de los espectáculos de mayor valía de esta temporada, al conocer los entresijos de su preparación.

El Psico Ballet nació del cuidado y cariño de una madre, Maite León, por su hija, que sufre un problema de discapacidad, al descubrir cuánto bien le hacía la danza, y, según avanzaba en su práctica y observación, constatar que estos beneficios podían aplicarse no sólo a su hija, sino a muchísimas más personas con discapacidad.

En un momento histórico de absoluta ignorancia, desatención y marginación de las personas con discapacidad, Maite León inauguró un tiempo en el que por fín se luchara por los derechos y la igualdad en tratamiento de las personas con algún tipo de discapacidad.

A medida que la Fundación crecía, y la magia del PsicoBallet pasaba de ser una intuición a un auténtico fenómeno, la verdad de la capacidad artística de estos bailarines comenzó a ser una realidad innegable, y demasiado valiosa como para permanecer oculta o limitada a un público. Aquello que empezó como un rumor de boca a boca, se ha convertido hoy, veinte años después, en una reivindicación de la igual o mejor capacidad de crear arte con mayor o igual talento, sensibilidad y habilidad, que las personas que no sufren una discapacidad. Es no ya una lucha, sino la celebración de un triunfo contra un prejuicio que existió durante demasiado tiempo.

Gracias, a Maite León y a todos los héroes anónimos que siguen día tras día celebrando un triunfo con el entusiasmo de aquel que quiere seguir venciendo la batalla eternamente, por haber inaugurado e instaurado un tiempo en el que ya no reina el problema, sino su cura.

Para todos aquellos que no pudieron asistir a la representación en el Teatro Madrid, os comunicamos la buenísima noticia de que la representación “Un Mar de Sueños” se repetirá en la Sala Triángulo los días 20 y 22 de Mayo.

Os dejo la Página de la Fundación Maite León, un artículo informativo publicado en El Mundo, el resumen y presentación de la obra en la Página del Teatro Madrid, y los enlaces a dos vídeos en los que podréis conocer el mundo del Psico Ballet más de cerca.

Tricicle Presenta: La Venganza de Don Mendo

El destino caprichoso ha sabido en marcadas ocasiones elegir con gran acierto qué dones y qué talentos otorgar a las personas. De nada serviría, probablemente, otorgar creatividad y habilidad a una persona absolutamente insensible, memoria y raciocinio a una mente absolutamente dormida, o bendecir con capacidad de oratoria a un ser mono-neuronal (ojo, siendo su contrario un ser no necesariamente inteligente, sino listo).

Dos grandes ejemplos de talentos bien conjugados son la pareja inteligencia y sentido del humor.Benditos aquellos que supieron mostrar con sentido del humor su inteligencia, y  regalarnos su inteligente sentido del humor. La historia no pasa indiferente por ellos, y ellos no pasan inadvertidos por la historia. Prueba de ello son los 28 años que el grupo de teatro cómico Tricicle lleva llenando escenarios, o los casi 100 años en los que Pedro Muñoz Seca y su “La Venganza de Don Mendo” han hechizado generación tras generación.

El Teatro del Canal les reúne a ambos de mano de la adaptación de Paco Mir que se estrena mañana día 8 de Abril y estará en cartel hasta el 25 de Abril. Y en el Teatro del Alcázar del 28 de Abril hasta el 11 de Junio.

¿Qué propone de nuevo esta versión? Mucho. Pensada, según ellos mismos, tanto para aquellos que conocen de memoria la obra, y serán capaces de identificar los (muchos) cambios realizados, como para aquella generación de jóvenes formados “en el videoclip”. Su máxima: “En el mundo del humor, todo lo que no suma resta”, y el resultado: la conversión de algunos monólogos en diálogos, el recorte de personajes y actores (11 que interpretarán a 25, salvados de los 40 originales), y una general “actualización” de la obra, que se plasma en la eliminación de bromas o alusiones a hechos coetáneos al estreno de la obra, y que hoy no se entenderían, y una general limpieza de términos que por arcaicos resultan hoy – incluso diccionario en mano – incomprensibles.

La puesta en escena será, como prácticamente todo lo que se hace hoy en día (suspiro), ligeramente arriesgada y desde luego sorprendente: se mantienen los decorados clásicos y adaptados al guión, pero el vestuario se llena de guiños dirigidos al público más joven. No nos sorprenderá, por tanto, que los caballeros calcen “botas de motorista, la capa del rey es una toalla de playa y las hebillas del Marqués de Moncada están hechas con anillas de latas de refresco”.

Arriesgado, desde luego, sobre todo cuando muchos de nosotros tenemos un mente nuestro particular Don Mendo absolutamente inmejorable, ya sea por haber tenido la fortuna de verle en acción (como es mi afortunado caso), como por el placer de imaginarle tras leer la obra. Sin embargo, seguro que todos los amantes de nuestro malvengado y y siempre amado caballero, en el fondo estamos deseando tener una excusa para releer el libro y rever y rememorar su entrañable historia encima de un escenario, y no querremos perdernos su re-presentación.

¿Todavía no has leído La Venganza de Don Mendo? Puedes pinchar aquí y leerla online.

¿Has caído en la tentación y no te lo quieres perder? Pincha aquí para más información, y pincha aquí para comprar tu entrada.

Teatro Alcázar

Del 28 de abril al 11 de julio
HORARIOS: Martes a viernes: 20:30 horas, Sábados: 19:00 y 22:00 horas, Domingos: 19:00 horas
Menores de edad a 16 euros
Localidades de 15 a 25 euros

Mucho más que un burruño: Javier Arce.

Nada más entrar en la Galería Max Estrella, te sorprenderá observar que las paredes están, como todas las piezas allí expuestas, estrujadas. Sí, como suena. Javier Arce, uno de los artistas más reflexivos, originales y despiertos del panorama español, ha cubierto las paredes con papel irrompible estrujado, creando un ambiente extraño, frío, creativo, sorprendente, casi irreal. Entre estas cordilleras de papel surgen cuatro enormes copias de cuatro famosísimas obras de Goya, tan arrugadas y estrujadas como las paredes de la galería. Las piezas expuestas son copias hechas con rotulador negro situadas A mil cuatrocientos metros de los rectificados, esto es, a mil cuatrocientos metros de sus originales en el Museo del Prado, parte de las 14 obras que decoraban la finca de la hoy famosísima “Quinta del Sordo” de Goya, totalmente arrugadas, pero absolutamente reconocibles, como una fotocopia desechada y despreciada, réplica sin embargo del original.

A esta colección de cuatro obras en gran escala siguen otra serie de pequeñas copias arrugadas del ciclo “Los Desastres de la Guerra” de Goya, dispuestos de dos en dos, la copia, y la propia interpretación y apropiación de la imagen llevada al absurdo.

Es imposible finalizar el recorrido de esta serie de copias sin percatarse de la intención del autor,

sin comprender que Javier Arce tenía un propósito diferente del meramente estético al proyectar esta exposición.  En ningún momento quiso ocultar la ironía y crítica que desprenden estas imágenes situadas a frente a su original, que es a su vez copia, y que es a su vez versión arrugada de otra obra que es, al fin de al cabo, otro simple papel.

Y es que Arce a lo largo de toda su trayectoria artística ha estado mucho más preocupado por el “para qué  y por qué” que por el “qué” de la obra de arte. Esta serie de cuadros, que completa series anteriores de “Burruños” de nuestras más famosas piezas (como el Guernica Estrujado o la Capilla Sixtina), reflexiona sobre el valor del arte y sobre el valor de las piezas particulares, del original, en sí y dentro de la simbología cultural hoy en día.

El artista ha buscado a lo largo de su trayectoria estudiar el el valor de una obra como obra de arte, estudiando, por ejemplo, el radical cambio de perspectiva del público al situar la misma obra de arte dentro de la tienda de regalos en vez de en la pared del museo, metida dentro de una bolsa de basura, o, como en este caso, estrujada, lista para usar y tirar.

En este caso el artista va más allá, estrujando incluso las paredes de la Galería, para hacernos reflexionar incluso sobre el sentido mismo de

la galería, convertida, gracias a la mano de Arce, en algo no diferente a un desecho.

Hermosa. Inteligente. Original. Estimulante. Merecedora absolutamente de una visita. Un ejemplo de cómo hacer arte haciendo protesta, y hacer de la protesta arte. (Así sí.)

En la Galería Max Estrella, hasta el 8 de Mayo. Para más información, pincha aquí.

La feliz discoteca del Ecléctico: Nuevo disco de Delafé y las Flores Azules, y de Rolando Villazón

En esta vida hay muchas cosas que no cambian porque no deben cambiar. Cosas, que, de un modo consciente o inconsciente, se resienten a ser modificadas por el paso del tiempo, incluso se resisten en su persistencia tras intentos explícitos de cambiarlas. Esta piedra en mitad del cauce, esa que siempre se baña en el mismo río, puede resulta un hecho incómodo hasta la frustración, o uno de esos indicios de la maravillosa (y siempre sorprendente) congruencia de nuestras existencias. Porque, y así de simple, hay cosas que no cambian porque no deben cambiar. Porque esos detalles de nuestra personalidad, de nuestros ritos diarios, de nuestras perspectivas, de nuestros modos de hacer, juegan – de modo a veces casi imperceptible – un papel fundamental como timón de nuestra vida.

Y sí, aquí, en el que querríamos que fuera salón de estar del ecléctico, y panteón de su tranquilidad de ánimo, defenderemos esas pequeñas cosas que, dentro del absoluto libertinaje electivo, se mantienen férreas, auténticas, sinceras y perfectamente identificables. Porque, y dentro de la fantástica coherencia de lo que es genuinamente abrazado, tan verdadero es el impulso que lleva al ecléctico a escoger sin límites, patrón ni exigencia de justificación, siempre cambiante, como aquello que se mantiene inerte y vivo, constante, como eterno actor y espectador de nuestras acciones.

Por lo tanto, en esta entrada rendiremos homenaje – como siempre – al feliz libre elector, y os traemos los nuevos discos de Delafé y las Flores Azules y de Rolando Villazón. Al mismo tiempo, intentaremos mostrar con estos dos nuevos discos, cómo lo auténticamente genuino es capaz de superar y mantenerse ante los tambaleos de nuestra vida, y erigirse ante la tormenta, y cómo, cuando se fuerza – por la razón que sea – , el cambio de uno de estos caracteres, el resultado puede ser desastroso.

Ambos intérpretes son más que muy queridos en este blog, y ambos han tenido que pasar grandes cambios antes de esta grabación, eligiendo cada uno de ellos una de estas vías. El resultado ha sido diverso, y en defensa de aquello que no debe cambiar por una razón, traeremos la primera crítica negativa de este blog.

“Tenor” es el Nuevo Disco de Rolando Villazón. Grabado tras su reciente operación en las cuerdas vocales, disco enormemente esperado para sus fans, que impacientes y nerviosos deseábamos verle de nuevo en los escenarios y tranquilizarnos con la buena nueva de su total recuperación. Su timbre ha cambiado, desde luego, probablemente de un modo imperceptible para aquellos que no demasiado familiarizados con su voz. Sin embargo, no es este giro a la abaritonización (que todos, como en el caso del reciente Plácido Domingo, nos podíamos esperar), lo decepcionante del CD:

 De algún modo, este CD no es Rolando Villazón, en algo mucho mucho más genuino y radical que el repertorio (que ha tenido que modificar por sus cambios de tesitura, eliminando, por ejemplo el Don José, e – imagino – el Tamino). Lo verdaderamente decepcionante de este CD es que ha olvidado absolutamente a sus verdaderos fans, a su público, a los villazonistas, que esperaban con ansias su salida, y se encuentran con una recopilación de piezas repetidas en todos sus discos anteriores o interpretadas en directo en sus conciertos, aunque inéditas en grabación. Aunque, sin embargo, es necesario apuntar que este disco no se ha grabado ni ha sido previsto para su lanzamiento mundial, sino exclusivamente para sus fans británicos, tras la participación de Rolando Villazón en el programa televisivo “Popstar to Operastar”. Probablemente esto explique el repertorio escogido, aunque, aún así, le encontramos un poco demasiado Villazón en sus interpretaciones, lo que probablemente alejaría al público no conocedor de su voz (ni de la ópera), al que probablemente vaya dirigido. Cielo e Mar, O Sole Mio, Che Gelida Manina, La Donna è Mobile, versiones muy desmejoradas del Libiamo, la Furtiva Lacrima o la Soave Fanciulla. Lo mejor: su interpretación de L’Alba Separa, su ya alabado Ombra mai Fù y un agradable The Impossible Dream que ya habíamos oído en representaciones para la televisión alemana. Si queréis echarle un vistazo, o comprarlo, pinchad aquí. Para ver el vídeo promocional del Cd, pinchad aquí.

Estamos y estaremos con Villazón, y precisamente porque es ese gran cantante, ese hijo favorito del que más esperamos, somos exigentes con él, y cerraremos los ojos ante este CD, y esperaremos con ansias el nuevo.

No diremos lo mismo, sin embargo, del nuevo disco de Delafé y las Flores Azules, tras su separación con el tercer miembro del antiguo grupo, Facto. Su disco “Vs las Trompetas de la Muerte” mantiene lo fundamental de su esencia como grupo, su marcado buenrollismo que no cae en la positividad ingenua – o quasi drogada de La Casa Azul -, con su sensibilidad para hablar de esas “cosas buenas” de la vida cotidiana, con su sencillez en ritmos y melodías, con la alegría de sus letras y sus estribillos pegadizos. Con un sonido mucho más fuerte en algunos temas, consiguen compaginar esta fuerza metálica de “las trompetas de la muerte” (por ejemplo en “Río por no Llorar” o el single “Espiritu Santo”), con la increíble intimidad de algunos otros temas, (como “Éramos”). Maravilloso cómo consiguen hablarnos de momentos difíciles (todo el disco está ligeramente empañado de un sentimiento de decepción más que de enfado, como en “Como Loco”), sin caer en la rabia o dejarte mal sabor de boca. Increíble su capacidad de cantar y homenajear a la vida cotidiana, capaces de sostener una letra sobre la lista de la compra.

En Madrid sus fans estamos de suerte, porque el Jueves 8 de Abril, en el Teatro Joy Eslava, Delafé y las Flores Azules nos presentarán su nuevo disco dentro de la seria de conciertos Levis Unfamous Concerts. Para más información, pincha aquí, o visita su página web. Las entradas cuestan 12 euros, y se pueden comprar pinchando aquí. Yo no me lo perdería.

Un soplo de aire fresco

Hay dos maneras en las que podría expresar la impresión que me produjo la exposición de Andrés Castellanos en la Galería Santiago Echeberría.

Por una parte, podría intentar dar seriedad y credulidad a mi afirmación, para ocultar lo subjetivo de lo que es al fin de al cabo mi opinión, y decir algo así: “Es maravilloso como el arte es capaz de producirte un fenoméno de teletransporte asociativo. Es decir, cómo la presencia de una obra de arte es capaz, por medio de una asociación de ideas directa o asombrosamente alejadas o vinculadas al objeto percibido, es capaz de transportarte mentalmente ante la presencia de otro objeto diferente, o de otro ambiente, tal que tus sentidos perciben de algún modo absolutamente real, aquello que sentirían si estuvieran verdaderamente en presencia de ese objeto o en ese lugar.”

Y decir esto sería absolutamente cierto y absolutamente mi opinión, pero la colección de cuadros de Andrés Castellanos que se presenta en la Galería Santiago Echeberría se merece un comentario mucho más cercano, mucho más vivo.

Y es que, con toda la simplicidad y autenticidad que se merece, es una exposición que me ha gustado muchísimo. Son una colección de cuadros verdaderamente hermosos, que te acompañan a dar un tranquilo paseo por la playa, por una calle, a pararte un segundo y sentir una suave brisa en la cara. Es arte que te hace sentir bien.Es real, es humano, y de increíble sensibilidad y talento.

Por otra parte, en esta pequeña galería de la calle Castelló, tienen gran interés los cuadros de exposiciones anteriores de enorme calidad y belleza. Entre ellos, me sorprendió y produjo una extraña fascinación el cuadro “Canal Callao” de Alberto Morago y la “Cama Vacía” de Javier Banegas.

Estará sólo hasta el 14 de Abril, y yo no me la perdería.

Want to meet Wyndham Lewis?

Hay muchas maneras de conocer a las personas. Hay quien afirma que en el primer cruce de miradas, en ese primer impacto visual, se desvela lo más esencial de nuestro ser. Hay quien, sin embargo, insiste en la necesidad del continuo re-verse, de alzar la moneda al aire y observar qué esconde la otra cara. Hay quien afirma que nunca, por mucho que pase el tiempo, se llega a conocer del todo a una persona (y a su vez quien asimila con terror y quien sonríe con curiosidad ante este último pensamiento), y se sorprende contemplando de cerca y de lejos lo eternamente familiar y, de un modo casi mágico, siempre sorprendente.

¿Se puede conocer, sin embargo, a alguien al que nunca conoceremos?

¿Permitirá la barrera del tiempo que las personalidades más fascinantes de nuestro tiempo nos sean inaccesibles? Con sinceridad pienso que hay personalidades que ninguna barrera – temporal, espacial o conceptual- podría contener, y entre ellas podemos destacar la de Wyndham Lewis.

Por sus obras los conocerás. Y este hombre, en particular este hombre, más que obrar, fue en si mismo obra. Hay personalidades de este mundo que son en sí una obra de arte, y cuya obra de arte es inseparable de su personalidad.

Si todo esto es cierto, no ha habido – desde la muerte del artista en 1957 – mejor modo de conocerle que visitar la exposición actual que presenta la Fundación Juan March. Organizada con la colaboración de Paul Edwards (el mayor experto actual en Wyndham Lewis), es la más completa exposición de sus obras realizada jamás, reuniendo más de 150 obras y de 60 publicaciones del artista.

¿Y quién es Wyndham Lewis? Un artista que representa en sí un movimiento, el vorticismo, creador de la revista BLAST (soporte de la obra y pensamiento de los artistas de este movimiento), pensador, escritor, personalidad extremadamente creativa y sensible, a la par que profundamente gamberra y provocadora.

¿Qué nos mostrará la exposición? Como el mismo nombre del movimiento lo indica, un vórtice depercepciones, recuerdos, personajes, emociones, girando en fuertes trazos de color, en líneas sólidas futuristas y cubistas, capaces de arremeter contra las injusticias de la primera mitad del siglo XX a golpe de brochazos de cubismo y futurismo, pero capaz de reposar en un instante y plasmar en finos, detallados y profundamente reveladores trazos de gouache y plumilla las personalidades, las individualidades y sensibilidades de cada uno de los seres humanos que se vieron atrapados por ese potente y terrible vórtice que fue la historia de su tiempo.

Capaz de entender su época, comprender y profetizar las atrocidades de la guerra, Lewis es capaz de representar rocío y tormenta en sus cuadros, y reflejar con el mismo acierto lo absurdo y terrible del mundo que se destruye, y la belleza de la capacidad creadora del hombre. Encontraremos referencias al Lebensraum alemán, a la guerra, y alegorías del mito de la creación y la feminidad, así como multitud de cuidados y reveladores retratos.

Una exposición completísima y de profundísimo interés. Aconsejadísima la visita gratuita guiada a la exposición, que se realiza los Miércoles: 11.00 – 13.30 y los Viernes: 16.30 – 19.00. Abierto todos los días (excepto 1,2 y 3 de Abril),

Lunes a sábado: 11.00 a 20.00.
Domingos y festivos: 10.00 a 14.00

Gratuita.

Hasta el 16 de Mayo.

Para más información, pincha aquí.

Un boxeador. Un monstruo. Un emperador.

Se abre el telón, aparecen un boxeador, un monstruo recién creado, y un emperador convertido en monstruo. ¿De qué estamos hablando? De tres obras de teatro en cartel en Madrid que yo no me perdería. Es difícil encontrar tres obras de tanta calidad y no sólo por la buena labor de sus intérpretes, sino por el interés de la temática que representan, y el valor de las obras literarias que las originan.

Estamos hablando de “Urtain” en el Teatro Valle-Inclán, de “Frankenstein” en el Teatro del Canal, y de “Calígula” en el Teatro Fernán Gómez.

Hablar de “Urtain” es necesariamente hablar de Roberto Álamo, de la compañía “Animalario”, el actor que interpreta al médico boxeador que se convirtió en símbolo mediático e icono de la “masculinidad” a finales del franquismo, y que ha conseguido hacer de un guión de Juan Cavestany de por sí magnífico, una obra de teatro de éxito con doce candidaturas en los próximos Premios Max de las Artes Escénicas y de la Música. Fuerza, violencia, dolor y piel de plástico que sangra por dentro. La historia de José Manuel Ibar Azpiazu, el boxeador que se convirtió en el símbolo del poder de la violencia que necesitaba el franquismo, el nombre que se convirtió en icono de una educación por, para y mediante la violencia, pero, sobre todo, el hombre que se esconde detrás de un nombre maldito, el tigre sin sonrisa, el juguete roto, el héroe trágico, o la tragedia del héroe.

Hasta el 11 de Abril en el Teatro Valle Inclán. Para más información pincha aquí. Para comprar entradas, pincha aquí.

La segunda recomendación es la ya famosa representación del “Frankenstein o el moderno Prometeo” de Mary Wollstonecraft Shelley. Lo más destacado de esta obra es, aunque parezca trivial (que no lo es), la inclusión del “o el moderno Prometeo”, presente en la obra original, al título de la representación. Lo que esta inclusión nos está indicando, es que el director de la obra y el guionista no sólo se han inspirado en el personaje creado por Mary Shelley, sino que de hecho se han leído el libro, y han tenido el libro más que presente en todo momento, al situar la obra en el escenario.

Hay dos maneras de concebir el Frankenstein de Shelley, por su causa o por su efecto. Si nuestra interpretación partiera de su origen, entenderíamos al personaje como un monstruo protagonista de una pesadilla, en el concurso de historias de terror que Shelley organizó con Lord Byron, y con su marido, interpretación más común de la historia. Sin embargo, Frankenstein no sólo era un monstruo, también era el hijo del primer gran Prometeo moderno, aquel primer protagonista de una historia de ciencia ficción con raíces muy terrenales, aquél capaz de robarles a los dioses prácticamente el único fuego que les pertenecía todavía: el de la vida y la muerte.

Actualizando un debate de por sí actual, la discusión en torno a la capacidad científica y no biológica del hombre de crear vida, aparecer en la obra de teatro, un anarquista, un miembro del partido conservador, una feminista y el personaje de Poli Dori, que, mientras observan la obra de teatro, debaten sobre los límites actuales de “creación” de seres humanos, clonación o células madre.

Una obra de teatro capaz de conjugar la esencia del romanticismo alemán y el teatro gótico y romántico, con la eterna duda del héroe prometeico, con un pie en la tragedia y el destino de Edipo Rey, y otro en las tentaciones de las glorias de la ciencia ficción que dejaron de ser fantasía.

Hasta el 4 de Abril en los Teatros del Canal. De miércoles a sabados a las 20.00h y domingos a las 19.00h. Información y Entradas pincha aquí.

Y si hablamos de poder, de violencia, y del hombre que juega a ser dios, y de la combinación de todos ellos, llegamos necesariamente a nuestra tercera recomendación: “Calígula”, la puesta en escena de la obra con el mismo nombre de Albert Camus, en el Teatro Fernán Gómez.

Esta obra, que obsesionó a Camus durante toda su vida, por lo que simboliza – los límites y terribles consecuencias del poder cuando es mal usado, fue escrita en su primera versión cuando Camus tenía sólo 26 años, y el futuro de la Europa y sus banderas (y el viento que ondeaba las banderas) ya se cernía como una sombra inesquivable, y, si no hubiera muerto sólo 20 años después, probablemente el escritor la habría reescrito unas cuantas veces, repensando y replanteándose el problema de los límites de poder humano, de la complejidad de la existencia humana cuando a las decisiones que se toman desde el poder se refieren, y sobre todo cuando estas decisiones han de afectar a seres humanos, y son pensadas, aunque el sujeto quiera negarlo, desde la condición de ser humano.

Como Quereas, como el mismo Camus, la compañía L’ OM IM-PREBIS, se han mostrado siempre reivindicativos, siempre comprometidos con la realidad social más inmediata, y al mismo tiempo, consiguen que la innovación se adapte a las exigencias del contexto de la obra, sin quedar por ello fuera o alejado de nuestro propio momento histórico.

Hasta el 11 de Abril en el Teatro Fernán Gómez. Para más información y entradas pincha Aquí.

Música, Arte… y Cerveza!

“Divertido” no es lo contrario de “serio”. “Divertido” es lo contrario de”aburrido” y nada más.

Gilbert K. Chesterton (1874-1936), ensayista crítico y novelista inglés.


¡Desgraciado aquél que no conoció jamás esta diferencia! De entre aquellos desgraciados, podemos destacar dos grandes – y desgraciadamente comunes – subgrupos. Aquellos que queriendo ser serios, se perdieron todo lo divertido de este mundo, y se condenaron a sí mismos a eliminar de sus actividades todas aquellas que verdaderamente les divertían; y oh! para tragedia no sólo suya, sino de su voluntario o resignado público, aquellos que buscando resultar profunda, profesional e intelectualmente hablando, personas “verdaderamente serias”, se volvieron inmensamente aburridos.

Afortunadamente, existe gente con inmenso talento dispuestos a ser ejemplos vivientes y poner en la práctica esta maravillosa diferencia, y son capaces de reunir trabajo bien hecho, de calidad, ingenio y destreza, con la aún más valiosa habilidad de hacer sentir bien a sus espectadores, y, en el mejor sentido de la palabra, de verdad divertirles.

De manera que con este llamamiento, estamos buscando público voluntario y no resignado, y que aprecie el arte serio y divertido como categoría propia y de íntrinseco y valiosísimo interés. ¿Para qué? Para asistir a dos exposiciones en Madrid que corren el riesgo de sufrir las consecuencias de la confusión de términos antes aclarada: que por ser divertidas se las tilde de poco serias.

La primera: Exposición dedicada a nuestros queridos “Les Luthiers” en el Teatro Fernán Gómez. Una ocasión inmejorable para rememorar las mejores aportaciones de uno de los conjuntos musicales y teatrales más importantes para por lo menos ya tres generaciones. 40 años del mejor arte que puede ofrecerse al público: genuino, cuidado, de calidad, profundamente inteligente y absolutamente divertido.

Fotos, partituras, instrumentos originales, biografías, archivos secretos y sorprendentes imágenes que nos acercan no sólo al recorrido histórico oficial de este grupo, sino a la cara más personal y humana de sus componentes.

Si hay algo dentro de ti que se emociona un poco al oír nombrar un Bass-pipe a vara, la Máquina de tocar (O dactilófono), el Shoephone, el Nomeolbídet, el Órgano de campaña, el Antenor (robot musical), la Manguelódica neumática, el Cellato, la Violata y el famosísimo Gom-horn da testa, o si no podrías evitar una sincera (pero interesada) sonrisa al observar una genealogía completa y detallada – amantes, hijos, entresijos – de Johann Sebastian Mastropiero, no puedes perderte esta exposición.

Atención! Última semana! Hasta el 21 de Marzo! Hasta las 21:00 (menos domingos- 19:00). Entrada Gratuita.

Pincha aquí para ver la página Web de la exposición.

La Segunda Recomendación del día: Exposición “Arte y Cerveza”. Hasta el 8 de Abril en la Galería Gaudí.

La Galería Gaudí en Madrid abre sus puertas a una exposición que combina arte y cerveza. Sí, sí. No es una excusa para bajar al bar y que nadie piense que echamos la vida a perder. Como hemos dicho al principio, “serio” no es lo contrario de “divertido”.

Más de 100 autores exprimen sus mejores ideas e ingenio para hacer arte de la cerveza. A partir de ahí, todo vale. Las botellas, el color, las etiquetas, el sabor, las situaciones en torno a ella. Las posibilidades son infinitas cuando son mentes imaginativas y con talento las que las barajan.

El formato de las obras se ha adaptado también a la inspiración de los artistas, de manera que Rafael Canogar, Luis Feito, Joseph Guinovart, Chema Madoz, Sigfrido Martín Begué, Ceesepe, Ana Soler, Mónica Ridruejo, Jos, María Luisa Sanz o Ildefonso Aguilar (entre otros) han tenido libertad de forma y contenido, para girar en torno al amor a la cerveza. Encontraremos fotografías, lienzos, collage, y nos costará muy mucho definir todas las obras con sólo un adjetivo: picante, ingenioso, curioso, original, gracioso, seductor, íntimo, familiar, cotidiano, atrevido. Todo vale cuando hay inspiración por medio.

Pincha Aquí para ir a la página web de la exposición, y pincha aquí para ir a la página web de la galería. Y.. Salud!

Todo lo que necesitas es aMo-zart

Lo mejor que puede hacer un Requiem es recordarte las ganas de vivir que tienes.

En general, cualquier cosa en tu vida, lo mejor que hará jamás por ti, es hincharte las mejillas, inflarte de bocados no dados, y ofrecerte una incómoda pero placentera sensación de no saber qué hacer con tu cuerpo.

Cuando algo produce que las extremidades te sobren, y el pecho avance por delante del resto de ti, cuando tu cuerpo parece estar limitándote en éste extraño rebosarte de vida, puedes estar seguro de encontrarte ante una de esas cosas que dan sentido a la vida.

Sí, que dan sentido a la vida. Porque dar sentido a la vida no es sino reorientar tus sentidos y darte cuenta de que la estás viviendo. Más Unamuno y menos Prozac, porque te sientes vivir verdaderamente cuando la vida te duele o cuando se te queda pequeña de puras ganas de ser.

– Y aquí estamos a favor de protagonizarla, no de padecerla.

Porque es mucho más fácil leer y escribir esto que sentirlo, es por lo que el próximo Jueves 18 de Marzo en el Auditorio de Madrid, oír el Réquiem de Mozart se convierte en algo más que un mero acto cultural, por lo menos para los que no nos cansamos de escucharlo.

Si con todo lo anterior no te he convencido – para gustos, los Sugus – probablemente te anime un poco más saber que la intepretación corre a cargo de un coro de Niños, el  Coro de Niños de Windsbach Deutsche Kammervirtuosen, dirigidos por Karl-Friedrich Beringer, y que completa el programa la Misa en Sol Mayor de Schubert (compuesta cuando tenía sólo 18 años!)

Por cierto, si tienes curiosidad por conocer qué tiene de verdadero y de falsoel modo en que Mozart compuso el Réquiem según la película “Amadeus”, puedes pinchar aquí, y conocer los detalles de la verdadera (pero no por ello menos curiosa) historia de la composición de esta pieza.

Sala Sinfónica del Auditorio Nacional.

Venta de entradas en Servicaixa

Jueves 18 de Marzo. 19:30.

¿Tiene menos sentido el Réquiem porque quedara incompleto con la muerte de Mozart?

La Solitude Organisative: Bienvenidos a Miquel Barceló.

¿Qué tienen en común un elefante en equilibrio, la calavera de Pinocho, un gorila solitario, las dunas, la Divina Comedia y restos de seres vivos en descomposición?

Cualquiera que haya paseado últimamente por delante del Caixaforum de Madrid empezará a olerse la respuesta: Todos ellos son protagonistas en el escenario creado específicamente para el despliegue de Miquel Barceló, un genio de los de antes, y uno de los más importantes artistas del panorama español e internacional.

La exposición, llamada “La solitude organisative” siguiendo el famoso cuadro del gorila pensativo, es sorprendente hasta arrebatarte el aliento, seas o no capaz de interpretar y comprender del todo la magnitud de la calidad del artista. En ocasiones te sientes arrodillarte con el lienzo en el suelo a su lado, y deslizar tus dedos por la terracota y la pintura: no está pintando el mar al pintarlo, lo está esculpiendo, lo está creando, y se está creando a sí mismo en metamorfosis con él. Toda la trayectoria del autor, desde sus orígenes más Mediterráneos hasta sus aventuras europeas de LSD, y pasando por las temporadas africanas, se enraizan y arraigan en el desarrollo de su producción artística, que va recogiendo objetos (literalmente) y empapándose de las sustancias y naturaleza de los lugares donde ha habitado. Visitar esta exposición no es sólo adentrarse en la vida de Barceló, es lanzarse de cabeza al mar, y salir hasta arriba de arena de desierto, de arcilla y de recuerdos.

La exposición, variopinta como la propia vida del pintor y escultor, incluye piezas de prácticamente todas las etapas de la vida del autor, representativas no sólo del estilo de esa época, sino de la propia comprensión de la existencia del artista en esos momentos.

Comida, animales en descomposición, arena, el mar, una isla, las olas, todo ello que es capaz de transportarte a un lugar desde un recuerdo, o a un recuerdo desde un lugar, todo tiene cabida cuando Barceló toma la arcilla, la terracota, el pincel, la pintura entre sus dedos, y se permite expresar lo que piensa.

Entre las 140 obras que se muestran, cabe destacar unas acuarelas para ilustrar “La Divina Comedia” de Dante, inspiradas en la inminente guerra de Iraq y la condición del refugiado político, que fueron las primeras obras de un autor español en ser expuestas en el Museo del Louvre. Así mismo, son particularmente interesantes la serie de cuadros inspirados en las dunas del desierto del Sáhara, comprendidos y creados después de haber sentido el proceso de formación de las dunas.

La influencia de lo orgánico, de lo terrestre-arcilloso, el retorno a la tierra, está siempre presente en su técnica, en la imitación de los procesos naturales por medio del arte. Densas capas de materia, adiciones de materiales y grietas, capas de colores en gamas que se superponen: la realidad que cambia vista desde lejos o desde cerca.

Este cambio de perspectiva de la realidad se muestra también en la sección más escalofriante de la exposición, una selección de piezas que juegan con los cambios de luz, con la transformación nocturna de los objetos, según sea la oscuridad o la luz la que les otorgue visibilidad.

La parte probablemente más espectacular de la exposición es aquella dedicada a los retratos que realizó Barceló de conocidos suyos, colegas, o personajes. Los retratos africanos – con dientes – provocan una fascinación casi imantada, que sólo consigue arrebatarte la mirada del cuadro la expectativa fundada de que el siguiente también te impresionará.

Merece mucho más que la pena visitar esta maravillosa exposición y rendir un merecido homenaje en sus 25 años de trayectoria artística, a uno de nuestros artistas más importantes. Saldrás de ella deseando comentarla, informarte bien de toda la trayectoria del artista, y volver a verla de nuevo. Si es así, te dejamos aquí el link a la página web del autor, donde puedes encontrar toda la información que seguro estás buscando. Pincha aquí.

Caixaforum Madrid. (Segunda Planta)

Hasta el 13 de Junio. Gratuita.

De Lunes a Domingo de 10:00 a 20:00.

“Escenas de Amor y Lujo” Ignacio Goitia

Esta pequeña e íntima colección del pintor Ignacio Goitia, en la Galería Ángel Romero, es una de las exposiciones que más me ha gustado últimamente. Muestra una serie de cuadros y dibujos del pintor bilbaíno (en concreto 12 cuadros de gran formato y 14 dibujos), en los que se entremezclan la realidad con lo ficticio.

Parece un guiño a los cortometrajes cinematográficos, por la estética, por la elección de personajes, y busca el contraste de encontrar dentro de la imagen de lujo, esplendor y riqueza de la sala de un palacio, a una jirafa, un grupo de militares, y hombres desnudos, que más que de Versalles, parecen salidos del KitKatClub de Berlín.

Una exposición curiosa, divertida, actual, que no pierde por ello calidad como obra artística, ni como instrumento de reivindicación social. Es un canto a la libertad, a la posibilidad de elegir tu noción de belleza, de amor, de morbo. En estos escenarios ficticios, personajes irreales intercambian sus posiciones, y, por ejemplo, policías o militares encargados de la represión de lo “socialmente no aceptado”, aquí cumplen la posición de defender precisamente a aquellos que normalmente son reprimidos o excluidos, y ya no sólo de los entornos palaciegos de lujo y prestigio, sino de la misma comprensión de la moral pública. El mundo de Ignacio Goitia protesta contra la aparente necesidad de la moral impuesta, en la que los palacios (y lo que ellos simbolizan) sólo puedan estar habitados por princesas, contra la política de represión que olvida que detrás de esos objetos de represión también se esconden personas.

Encontraréis la exposición en la Galería Ángel Romero, pequeña e íntima, pero cuya planta baja (sótano) bien merece una visita por su estética peculiar dentro de las galerías de Madrid, que crea un ambiente cálido y misterioso, perfecto para albergar la colección de dibujos del autor.

Podéis visitar las piezas de la exposición en esta página web. Aunque merece la pena verlos en persona.

También recomendamos una visita a su página web, y en general, al apasionante universo Goitia, del cual esta exposición es sólo una pequeña muestra.

Entrada: Gratuita.

Hasta el 30 de Abril

Un paseo romántico

A medida que sale el sol, aumentan nuestras ganas de salir a la calle, de abandonar el imperativo de la cuatro paredes, y respirar el aire libre sin garantizarnos una faringitis.

El problema es… ¿Dónde ir?. Los que conocemos demasiado bien esta ciudad se nos olvida que está llena de rincones agradables y tranquilos (Sí, tranquilos!) donde dar un paseo romántico, nostálgico, o simplemente relajante.

El Jardín Botánico de Madrid ofrece estos días el lugar perfecto para esconderse un rato y ver una colección de esculturas preciosa. Se trata de la exposición “Aequilibrium, Naturaleza en Equlibrio” de Jose G. Onieva. Son en total 30 piezas de acero que llegan incluso a los cinco metros de altura, situadas en los paseos dentro del Jardín Botánico.

Está compuesta por un lado de esculturas de gran tamaño que imitan árboles, enormes flores.. y que se mueven lentamente movidas por el viento, sorprendentemente en equilibrio.

Por otro lado, al lado del pabellón donde el 11 de Marzo se inaugura una exposición de fotografía de  Justino Díez, se encuentra otra serie de esculturas de menor tamaño, también de gran belleza, divertidas, ingeniosas, sorprendentes e incluso ciertamente entrañables.

Particularmente nos han gustado las esculturas que muestran pequeños hombrecitos en equilibrio en una larga escalera con formas diversas, que representan momentos y situaciones de la vida humana.

Nos gusta cómo Onieva es capaz de combinar estilo y belleza con la espontaneidad de la escultura que parece flexible, que parece acompañar los ritmos del tiempo, y sigue al tiempo en su ritmo. Nos gusta mucho el contraste del metal con la vegetación del Jardín Botánico.

Merece la pena visitar la colección completa, no sólo dentro del Jardín Botánico, en un paseo más que agradable, sino en su página web. La puedes encontrar dentro del Blog del autor, en concreto, pinchando aquí.

La exposición pretende, en palabras de Onieva, ser una alegoría sobre la importancia de mantener nuestro planeta en estado puro, es decir, en un estado de permanente equilibrio.

Entrada a la exposición: por la Plaza de Murillo nº2.

Precio: entrada al jardín Botánico: 3€/1’25€.

Todos los días de 10:00 – 19:00h (marzo) y 10:00 – 20:00h (abril).